¿Cuánto tiempo llevas restaurando obras de arte?

Empecé a dar servicio a los 19 años, en 1978, después de que mis padres, que eran pintores, me pidieran que eligiera un camino. No tenía un título estatal. Me capacité con un conservador, édouard Déchelette, un rentoileur en el Louvre y profesor en el Instituto Francés para la Restauración de Obras de Arte (IFROA) que abrió el mismo año.

¿No querías ser un artista como tus padres?

No. ¡Mientras que yo nací en una olla de pintura! Cuando era niño, mi padre estaba en contacto con muchos intelectuales como Roland Barthes, André Pieyre de Mandiargues, Patrick Waldberg… Estaba rodeado de pinturas y libros. Desde los 6 años, estaba revisando los libros y decreté que mi pintor favorito era Victor Brauner. Pero no fui brillante en mis estudios. Cuando mis padres me preguntaron qué quería hacer, inmediatamente dije: “restauración”. Estaba claro para mí. Mi padre tenía un alma creativa. Tenía más imaginación, un reflejo interno y podía dar forma a una idea en una pintura. No tengo esa habilidad. Me interesaba más observar y descomponer materiales. Esto es lo primero que me atrajo cuando empecé en la industria de la restauración: estar en busca de la veracidad y la técnica del artista. No estoy aquí para traicionarlo, ni para ponerme en su lugar. Un restaurador no debe traer algo, sino mezclarse y respetar su creación. Tuve la oportunidad de conocer a un generoso restaurador que quería ayudar y compartir su know-how. Confió en mí, me dio mucha libertad y me dio confianza.

¿Cuándo abriste tu propio taller?

En 1989, poco a poco obtuve mi independencia mientras continuaba trabajando en el taller con Edward. Tenía un estudio en Montparnasse, amueblado con una cama grande y dos caículos. Un interno vino a trabajar allí por la mañana. Mi formación junto a Edward fue más preocupada por la pintura de los siglos XVI, XVII, XVIII y XIX. Al mismo tiempo, me interesaba la pintura moderna y contemporánea. En 1978, los cursos universitarios fueron bastante restrictivos en este campo, más centrados en la pintura antigua. Faltaba una rama moderna y contemporánea.

¿En qué se diferencia la restauración de la pintura antigua de la del arte moderno o contemporáneo?

Teníamos más retrospectiva científica en términos de materiales y obras antiguas, mientras que la pintura moderna y contemporánea utilizaba nuevos materiales de los que no sabíamos mucho. Nos embarcamos en una especie de aventura. Mi formación, clásica y científica, me dio un rigor, ética y ética para la realización de la restauración de obras modernas y contemporáneas. Si generalizamos, una pintura antigua se basa en una estratigrafía y materiales siempre más o menos similares a pesar de los desarrollos técnicos. Mientras que una obra moderna o contemporánea se compone de materiales industriales recientes tan variados como sorprendentes. En este momento, tenemos dos pinturas de Georges Mathieu de 1970 y 1979 en el taller. Tomemos el ejemplo de estas obras, cuya apariencia superficial es mate. Si, por casualidad, tuvieras la intención de hacerlo “hermoso”, implicaría un trazo de barniz para darle más brillo. Significaría dañar la pintura y traicionar la intención original del artista. Además, el azar también juega un buen papel, porque es una pintura espontánea y gestual. No podemos reproducir esta gestualidad en la restauración de la misma manera que el artista, pero debemos tenerla en cuenta. Varios factores se tienen en cuenta en la restauración: la técnica utilizada por el artista, los materiales utilizados, el entorno de conservación de la obra (movimiento, humedad, etc.) y las alteraciones resultantes. “Un restaurador no debe traer algo, sino mezclarse y respetar su creación.”

¿Qué tipos de obras y daños enfrenta con más frecuencia?

Me considero un “generalista especializado”. Hoy en día, me oceno principalmente con el arte moderno y contemporáneo, pero seguimos tratando con pinturas antiguas porque es mi corazón de aprendizaje. Trabajamos en aceite, acrílico, vinilo, glicerotalic, aerógrafo, así como resina, madera, cerámica, metal, papel, etc. Nuestra experiencia en todo tipo de medios nos permite abordar prácticamente todo. Creé el taller para intercambiar y trabajar en equipo y no veo el trabajo de restaurador como un artesano aislado, frente a su canivel, guardando sus secretos. Cada miembro del equipo llega con su personalidad, su especialidad, y ese es el punto. Podemos hablar y seguir adelante juntos. Si siento que no tenemos la capacidad de hacer una intervención, no dudo en trabajar con especialistas. Nuestro trabajo es hacer un trabajo sin que hablemos a simple vista. Aunque no lo escondo, ya que transmito informes de pericia, condiciones, declaraciones de situación, que explican la metodología de la intervención y el resultado antes/después.

“Como un espía, iba a los talleres y escribía todos los productos que usaban. »

Si hoy imaginamos la restauración de una obra contemporánea, a menudo más manipulada, al menos menos tradicional que la pintura antigua en su fabricación, ¿sería erróneo pensar que esta obra será menos fácil de restaurar?

Es cierto que los artistas están generalmente más interesados en el proceso de creación y representación de sus obras que en la composición de los materiales utilizados. Supongo que no necesariamente piensan en la sostenibilidad de sus obras. Son los restauradores quienes generalmente se dan cuenta de que los materiales no son adecuados en absoluto. De hecho, existe este aspecto de “hazlo tú mismo”, aunque no me gusta el término. Con la experiencia de todos los materiales que utilizamos, aprendemos a mezclarlos e incorporarlos para lograr un resultado consistente. Desde un punto de vista científico, es cierto que tenemos menos retrospectiva. No sabemos cómo será nuestro trabajo en 50 o 100 años (esta es la duración estimada de una restauración). Más allá de eso, ¿influirá nuestra restauración en la preservación de una obra o serán los materiales del artista los que seguirán evolucionando mal?

¿Cuáles son los materiales básicos de una restauración?

Cuando se trata de retocar y reintegrar en tablas, el pigmento es el punto de partida. Es la base de todos los colores. O los mezclamos con los aglutinantes adecuados, o compramos los productos ensamblados comercialmente. En cualquier caso, nos guiamos por la ética y la ética, es decir, tratamos de utilizar materiales que son reversibles con el tiempo, que se pueden eliminar de la noche a la mañana sin alterar la pintura original. En cuanto al arte contemporáneo, a veces nos vemos obligados a utilizar productos que no sabemos qué tan fiables a largo plazo y que pueden plantear algunos problemas. Por otro lado, estos productos nos permiten llegar a un resultado de buena calidad en términos estéticos, que se solicita con mayor frecuencia para obras modernas y contemporáneas.

Te conocemos por haber restaurado, entre otras cosas, muchas obras narrativas de Figuración…

Sí, es cierto que me ocupé de una serie de piezas de la Figuración Narrativa a principios de la década de 1980. Al ir a las galerías, vi a los artistas emerger. Típicamente, cuando vi un trabajo como el de Peter Klasen, pensé que tendríamos problemas para restaurar este tipo de obras. Porque son parte de una técnica inusual, que es el aerógrafo. En esto me considero una vanguardia de lo moderno y lo contemporáneo, porque fui a ver a todos los artistas de la Figuración Narrativa -Adami, Monory y otros- para tratar de entender su forma de pintar. Como un espía, iba a los talleres y escribía todos los productos que usaban. Terminamos trabajando juntos porque se dieron cuenta de que estaba interesado en su trabajo. Tenían la capacidad de crear, pero no todos tenían la capacidad de restaurar. Me convertí en su restaurador habitual. Ditto para Soulages. Mi estudio, incluyendo a mi colaboradora Julie, ha restaurado más de un centenar de sus obras de la década de 1950. También trabajamos mucho con el comité Niki de Saint Phalle y hemos visto excelentes obras antiguas que también están en sus cientos.

¿Cuáles son los perfiles de los clientes que vienen a dejarte obras para restaurar?

Trabajo mucho con comerciantes, ventas públicas, instituciones que son los creadores de todas las pinturas que están en el comercio y en los museos. Obviamente están en primera fila para lanzar obras maestras. Luego trabajo directamente con coleccionistas que quieren preocuparse por la conservación de sus obras, así como en el pasado con museos, principalmente los de la ciudad de París. ¡Ciertamente fui el único no graduado que trabajaba para museos! Hoy en día, sería imposible ejercitarse sin el pedigrí requerido del perfecto restaurador y curador. Por último, mi entrenamiento – es decir, la experiencia – no es tan malo! Tengo la suerte de haber podido trabajar con museos y en las pinturas más bellas que existen en el mundo. Y continúa. Es el trabajo de un equipo. Todo esto es gracias también a mis colaboradores.

La restauración tiene que tener un costo. ¿No tendemos a retrasar la fecha límite?

De hecho, la restauración no es una necesidad. Una pintura puede permanecer en su estado durante 10, 20 o 30 años sin ninguna intervención. Si se trata de un problema estructural, hay una urgencia que no debe pasarse por alto. Los coleccionistas que son verdaderos entusiastas consideran que hay una necesidad, no importa lo que cueste, casi. El precio de un restaurante es siempre un requisito previo. Pero en general, consideran necesario mantener.

¿Cuál es el rango de precios de un restaurante?

El primer precio del restaurante aquí comienza en 230 euros, una tarifa plana para una pequeña intervención que no requiere mucho tiempo. Algunas restauraciones pueden alcanzar sumas mayores, de 1.000 a 50.000 euros. Todo depende del número de horas de respuesta, de la complejidad de la intervención, y a veces es bastante difícil cuantificarlas. Pero soy uno de esos restauradores que, salvo un problema excepcional, rara vez cambian su presupuesto.

¿Eres coleccionista?

¡Sí, es mi vicio! He estado coleccionando desde que tenía 16 años. Tengo muchas pinturas y esculturas, bastante modernas y contemporáneas. En los años 1978-1980, cuando era adolescente, fui a galerías todo el tiempo para mirar las obras, por placer personal. Los comerciantes vieron que me apasionaba y me dejaban pagar varias veces. Tengo muchas pinturas de mi padre, Marc Janson. Como siempre ha vendido todo lo que pintaba, lo compré en salas de subastas o en coleccionistas para construir una colección de los más representativos. Creo que es un pintor muy bueno, tanto técnica como estéticamente. También tuve el placer de adquirir obras de muchos artistas. Estoy muy abierto a muchas formas y soy cada vez más ecléctico en mis favoritos.